作灌装茶叶。但对商业联名，我们始终保持克制。姚珏：我出生于上海的一个音乐世家，我的父亲是知名音乐家、上海电影乐团指挥姚笛。在他的严格要求下，我4岁开始学小提琴，每天雷打不动练习3个小时。我小时候学乐器是被“打过来的”，我父亲逼我拉琴，不拉就要跪洗衣板半小时。现在我也是两个女儿的妈妈，我不再用以前我受到的管教方式来教育她们，学琴有艰苦和枯燥的一面，一味的“铁血管教”会让孩子失去兴趣和耐心。我写了一套小孩子的课程，用有趣的方式让孩子感受节奏，形成家庭音乐学习的氛围，孩子和家长一起学，最开始可能家长学得快一些，到最后一般是孩子超越家长。我的理念很明确：并非每个孩子都要成为演奏家，但每个孩子都可以通过音乐获得自信、审美与意志力。这份信念，也延伸到了我们的“音乐能量计划”中。十年来，我们已助力900个香港普通家庭的孩子叩开音乐之门。其中不少孩子居住在“劏房”，那是被隔板切割出的狭小空间，全屋不过洗手间大小，压抑而逼仄。但在这些连转身都困难的角落里，音乐成了照进裂缝的光。我们将乐器带进他们的生活，亲眼见证了音符如何穿透暂时窘迫的居所，点亮那一颗颗渴望飞翔的心灵。“我进剧场就想看到人”平均年龄“90后”的观众，看着“00后”演《骆驼祥子》经典艺术如何吸引年轻人？对于姚珏和冯远征而言，舞台上的从业者和舞台下的观众都已改变。经典艺术走到今天，不是简单的因循守旧，但舞台的核心永远是人。NBD：刚才我们探讨了艺术如何“向下扎根”服务大众，现在想聊聊艺术如何“向上生长”拥抱时代。在推动艺术“年轻化”和“现代化”的过程中，你们是如何界定创新与本色的边界？面对新技术的冲击时，你们坚持的“底线”是什么？冯远征：现在其实走进人艺剧院的是“90后”最多，年轻观众看话剧不完全是为了追星，他们有自己喜欢的演员，但更重要的还是喜欢话剧这种形式。观众的变化在2020年左右发生，我认为是观众的自然迭代，并非我们有意地去“迎合”“投喂”。去年我们排的《骆驼祥子》，是按照北京人艺1957年演出的这个版本来排的，布景、服装、妆造、表演都致敬最早的经典，但我们的演员最小的是“00后”，大一点的是“80后”，平均年龄都是“90后”。我当时觉得这个戏观众可能不一定那么接受，上座率能在60%到70%就不错了，我也跟年轻演员说，最重要的是先通过这部戏让观众认识你们，没想到这部戏的上座率在90%以上。人艺在1957年有一部经典
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